Au Louvre, la grande Circoncision du Christ de Federico Barocci donne à voir un épisode de l’enfance de Jésus que la peinture occidentale a moins souvent représenté que la Nativité, l’Adoration des mages ou la Présentation au Temple. La scène est pourtant riche de significations. Elle marque l’entrée de l’enfant dans l’Alliance, conformément au rite prescrit par la Loi, mais elle constitue aussi, dans la lecture chrétienne, la première effusion du sang du Christ. Barocci transforme ce geste rituel en une composition ample et recueillie, où l’attention portée aux gestes humains se conjugue avec une réflexion sur le sacrifice à venir.
L’œuvre est peinte en 1590, au terme d’une longue élaboration. Elle avait été commandée dès 1581 par la Compagnia del Nome di Gesù de Pesaro pour le maître-autel de l’église de sa confrérie. De grandes dimensions — 356 × 251 centimètres —, elle est réalisée à l’huile sur toile. Barocci inscrit sa signature et la date sur le prie-Dieu de la Vierge : FED.BAR.VRB.PINX.MDLXXXX. L’histoire du tableau le conduira ensuite en France. Prélevé lors des conquêtes napoléoniennes en 1798, il est concédé à Notre-Dame de Paris en 1802, puis donné au Louvre par le chapitre de la cathédrale en 1862. Il est aujourd’hui conservé dans les collections du musée, sous le numéro d’inventaire MI 315.
Le huitième jour
L’Évangile selon Luc est le seul des quatre évangiles canoniques à mentionner explicitement la circoncision de Jésus : « Quand fut arrivé le huitième jour, celui de la circoncision, l’enfant reçut le nom de Jésus » (Luc 2, 21). Le rite intervient donc huit jours après la naissance. Il ne doit pas être confondu avec la Présentation au Temple, racontée dans les versets suivants, qui se déroule à une autre date et répond à une autre prescription religieuse.
Le décor évoque une grotte ou un abri associé au lieu de la Nativité. Ce choix s’accorde avec la chronologie du récit évangélique. Selon le Lévitique, après la naissance d’un garçon, la mère connaît une période de purification de quarante jours : sept jours, puis trente-trois jours supplémentaires. Durant cette période, elle ne doit pas toucher les choses consacrées ni entrer dans le sanctuaire avant que les jours prescrits soient accomplis (Lévitique 12, 2-8). Cette disposition ne signifie pas qu’elle devait demeurer enfermée chez elle, mais elle permet de comprendre pourquoi la circoncision au huitième jour et la présentation ultérieure de l’enfant au Temple constituent deux épisodes distincts.
La présence de Marie auprès de son fils dans un espace qui rappelle la grotte de la Nativité ne relève donc pas d’une incohérence chronologique. Barocci ne cherche pas à restituer un décor archéologique ni à documenter avec exactitude les usages juifs de son temps. Il construit une scène sacrée, organisée autour de l’enfant et de ceux qui assistent à l’accomplissement du rite.
Une assemblée autour de l’enfant
Au centre de la composition, un vieil homme portant un turban tient Jésus dans ses bras. Il est traditionnellement identifié au grand prêtre. Cette identification appartient cependant à la convention iconographique chrétienne, et non à la description historique du rite. La circoncision juive ne requiert pas la présence d’un prêtre, encore moins celle du grand prêtre. Dans la tradition juive, la circoncision (brit milah) est pratiquée par un mohel, personne spécialement formée à l’accomplissement de ce rite. L’Évangile de Luc ne précise pas qui procéda à celle de Jésus. Le personnage de Barocci donne ainsi à l’événement une solennité sacerdotale qui relève de sa mise en scène religieuse.
Devant lui, un homme vêtu d’une tunique jaune d’or se penche sur l’enfant. Sa posture et son geste permettent de le reconnaître comme l’officiant chargé de l’opération. Il est vu de dos, le corps incliné vers Jésus, dans une attitude de concentration. Un autre personnage, plus en retrait, semble s’occuper du couteau après l’intervention. Ces figures secondaires donnent à la scène une dimension concrète : Barocci ne se contente pas de représenter un symbole, il montre les gestes et les fonctions d’un petit groupe réuni autour de l’enfant.
À droite, Marie est agenouillée, les mains jointes. Son attitude exprime le recueillement et la participation silencieuse à l’événement. Joseph se tient derrière elle, reconnaissable à son âge et à sa barbe. À gauche, un jeune berger s’agenouille, appuyé sur son bâton. À ses côtés se trouve un agneau aux pattes liées. Sa présence ne se réduit pas à un attribut pastoral : l’animal est présenté comme une victime destinée au sacrifice. Il introduit dans la scène une résonance qui dépasse le récit de l’enfance.
Un jeune garçon tient une longue bougie allumée et désigne de l’autre main un petit récipient placé au premier plan. Ce détail est particulièrement important. La description publiée par la Yale University Art Gallery identifie explicitement l’objet placé dans le plat comme le prépuce de Jésus. D’autres commentaires, notamment celui associé au modello passé en vente chez Sotheby’s, attirent l’attention sur une goutte de sang visible dans le récipient et proposent une lecture eucharistique. Ces interprétations ne s’excluent pas nécessairement : le fragment corporel est lié au sang versé au cours de l’opération, tandis que le sang du Christ reçoit dans la pensée chrétienne une signification eucharistique. Il faut néanmoins distinguer ce que montre la peinture de l’interprétation théologique qui lui est appliquée.
Au-dessus de l’assemblée, deux anges soulèvent un vaste rideau. Ce geste donne à la composition une dimension théâtrale. Le voile s’ouvre comme pour révéler au regard du spectateur la signification spirituelle de l’événement. L’assemblée terrestre se trouve ainsi placée sous le regard du monde céleste ; la scène intime devient une manifestation sacrée.
Le premier sang et l’annonce de la Passion
La présence de l’agneau lié constitue l’un des éléments les plus éloquents de la composition. Il évoque l’agneau pascal du récit de l’Exode, dont le sang protège les maisons des Hébreux (Exode 12, 3-13), mais aussi l’identification du Christ à l’Agneau de Dieu, formulée dans l’Évangile de Jean (Jean 1, 29) et reprise par la tradition chrétienne. La position de l’animal, ses pattes entravées et sa proximité avec le jeune berger invitent à dépasser la simple évocation d’un paysage pastoral.
Le rapprochement avec le sacrifice pascal conduit à lire la circoncision comme une première annonce de la Passion. Le sang versé lors du rite, alors que Jésus n’est encore qu’un nouveau-né, préfigure dans l’interprétation chrétienne celui qui coulera lors de la crucifixion. Le geste accompli selon la Loi devient ainsi le premier signe visible d’un destin sacrificiel. Barocci ne représente évidemment pas la Passion dans cette scène, mais plusieurs détails en préparent la lecture : le sang, le récipient, l’agneau offert et la gravité recueillie des personnages.
Cette interprétation ne doit pas faire oublier la signification propre de l’épisode. La circoncision est d’abord un rite d’alliance, qui inscrit Jésus dans la tradition juive. Le tableau associe donc deux niveaux de lecture : l’événement tel qu’il est rapporté par l’Évangile et sa signification rétrospective dans la théologie chrétienne. C’est cette superposition qui donne à la scène sa densité.
Le Saint Prépuce et le Sancta Sanctorum du Latran
Le petit récipient placé au premier plan prend un relief particulier lorsqu’on le rapproche de l’histoire du Saint Prépuce, relique attribuée à Jésus et vénérée depuis le Moyen Âge. L’une des traditions les plus importantes associait cette relique au trésor du Sancta Sanctorum, chapelle située dans l’ancien palais pontifical du Latran, à Rome. Il importe de désigner précisément ce lieu : selon la tradition, la relique était conservée au Sancta Sanctorum du Latran, et non simplement dans un lieu indéterminé du complexe pontifical.
L’histoire de cette relique est traversée par des récits divergents. Selon une tradition romaine rapportée par des auteurs postérieurs aux événements, le prépuce conservé au Sancta Sanctorum aurait été dérobé lors du sac de Rome, en mai 1527. Un soldat l’aurait emporté à Calcata, localité située au nord de Rome, puis caché dans une cave. La cachette aurait été révélée plusieurs décennies plus tard, après que le soldat, malade, eut été conduit à l’hôpital Santo Spirito de Rome. Les dates de 1557 et de 1559 apparaissent dans les différentes versions de cette histoire.
Il faut toutefois distinguer le sac de Rome, événement historique bien établi, du récit particulier du vol de la relique, dont les détails nous sont transmis par des textes postérieurs. Les récits ne concordent pas entièrement. Francisco de Toledo, dans ses Commentarii in Sacrosanctum Jesu Christi D.N. Evangelium Secundum Lucam (Venise, 1600, p. 250-253), rapporte une version dans laquelle des femmes découvrent un coffre contenant des reliques, dont le prépuce, et le font restituer au Sancta Sanctorum. Ottavio Panciroli, dans I tesori nascosti nell’alma città di Roma (Rome, 1600 ; édition revue, 1625, p. 147-148), évoque un soldat qui aurait emporté un petit coffret métallique contenant plusieurs reliques, avant que celles-ci ne se retrouvent entre les mains de la famille Anguillara à Calcata. Giovanni Severano, dans ses Memorie sacre delle sette chiese di Roma (Rome, 1630, p. 575), donne une version plus développée : le soldat aurait caché la relique dans une cave à Calcata et en aurait révélé l’emplacement après avoir été conduit à l’hôpital Santo Spirito de Rome.
L’étude de Jessica Goethals et Anna Wainwright, consacrée à la voix prophétique de sainte Brigitte pendant les guerres d’Italie, permet de replacer ces récits dans leur contexte et d’en suivre les transformations. Les deux chercheuses montrent comment les traditions relatives aux reliques du Sancta Sanctorum, au vol de 1527 et à la figure de sainte Brigitte se sont progressivement articulées. Elles soulignent les différences entre les versions transmises par Toledo, Panciroli et Severano. Il ne serait donc pas prudent de traiter toutes les péripéties rapportées comme des témoignages contemporains du sac de Rome.
La chronologie est particulièrement intéressante pour l’étude du tableau. La commande de Barocci date de 1581 et la toile est achevée en 1590 : elle est donc postérieure au sac de Rome et à la redécouverte de la relique que la tradition situe vers 1557 ou 1559. L’histoire du Saint Prépuce n’est pas une construction née après la réalisation du tableau. Elle lui est antérieure, et l’épisode de Calcata était déjà supposé appartenir au passé lorsque Barocci peignit sa composition.
Peut-on en conclure que le petit récipient représenté par le peintre fait allusion à la relique du Sancta Sanctorum ? Le rapprochement est tentant, d’autant que le prépuce est explicitement désigné dans certaines descriptions de l’œuvre. Mais aucun document actuellement identifié ne permet d’affirmer que Barocci entendait évoquer la relique romaine, son vol ou son transfert à Calcata. Il est plus prudent de considérer que ce détail pouvait prendre un sens particulier pour des spectateurs familiers du culte du Saint Prépuce, sans faire de cette résonance une intention démontrée du peintre.
Une composition de lumière et de couleurs
L’organisation picturale de Barocci donne à cette scène une force qui ne repose pas uniquement sur son contenu religieux. La composition s’ordonne autour de l’enfant, point de convergence des regards et des gestes. Les personnages forment un ensemble serré, mais leurs attitudes et leurs directions de regard évitent toute immobilité. Les mouvements se répondent : le corps penché de l’officiant, la posture du vieil homme qui tient Jésus, les mains jointes de Marie, l’attention du berger et le geste du jeune garçon conduisent le regard vers le centre de l’action.
Le rideau soulevé par les anges renforce cette organisation. Il introduit une ouverture dans la partie supérieure de la toile et transforme l’espace en une sorte de scène révélée. Cette disposition théâtrale ne constitue pas un simple ornement : elle établit un rapport entre l’action terrestre et sa signification céleste.
La lumière joue un rôle tout aussi structurant. La bougie portée par le jeune garçon contribue à l’éclairage, mais elle n’en est pas l’unique source. Barocci distribue les clartés de façon à faire ressortir les visages, les étoffes et le corps de l’enfant, tandis que les parties reculées demeurent dans une pénombre enveloppante. Le clair-obscur reste souple, sans les oppositions dramatiques que Caravage imposera quelques années plus tard à la peinture romaine. La lumière ne surgit pas comme un faisceau brutal : elle circule entre les figures et organise leur présence.
La palette repose sur le contraste entre les zones sombres du fond — bruns, verts profonds et noirs — et plusieurs plages de couleurs lumineuses. Le jaune d’or du vêtement de l’homme penché sur l’enfant attire immédiatement le regard. Le rouge du vêtement de Marie, les bleus, les gris bleutés, les blancs et les tonalités rosées ou violacées composent autour de lui une gamme riche et équilibrée. Les couleurs ne sont pas juxtaposées pour produire un simple éclat décoratif : elles contribuent à distinguer les groupes et à donner à la scène sa profondeur.
La manière de Barocci témoigne de la synthèse singulière qu’il élabore à la fin du XVIe siècle. Son art appartient à la culture de la Renaissance tardive et du maniérisme, tout en annonçant certains développements du baroque. La souplesse des attitudes, la douceur des transitions lumineuses et la sensibilité accordée aux expressions s’inscrivent dans une recherche picturale où la couleur et l’émotion occupent une place essentielle. On peut rapprocher certains aspects de son coloris de la tradition vénitienne, notamment de Titien, et sa manière de traiter la lumière de l’héritage de Corrège, sans réduire pour autant son langage à l’imitation de ces modèles.
Les dessins préparatoires : une longue recherche
![]() |
| Le cartoncino des Offices |
Les Offices de Florence conservent plusieurs documents essentiels pour comprendre ce processus. Parmi eux figure une étude de composition du tableau, datée d’avant 1590. La notice de la galerie la décrit comme un cartoncino per il chiaroscuro, type de dessin que Barocci introduisit afin d’étudier avec précision les effets de lumière. Réalisée à la plume et à l’encre avec lavis, rehauts de blanc et pierre noire, sur papier bleu passé, cette feuille mesure 430 × 588 mm et porte le numéro d’inventaire 818 E. Barocci y affine la structure de la scène en portant une attention particulière aux contrastes de clair-obscur.
![]() |
| Le grand carton des Offices |
Il faut également mentionner le grand carton conservé aux Offices sous le numéro 91459. Le catalogue national italien du patrimoine précise que le bozzetto 818 E a été transposé à grande échelle sur cette feuille. Celle-ci constitue le dernier passage graphique avant la réalisation du tableau, comme l’indique notamment sa mise au carreau. Les deux documents ne doivent donc pas être confondus : le 818 E est l’étude de composition et de clair-obscur, tandis que le 91459 en est la transposition à grande échelle, destinée à préparer le passage à la toile.
D’autres études isolent les protagonistes. Le Courtauld Institute conserve notamment une étude de l’homme qui se penche sur l’enfant, réalisée vers 1585 à la pierre noire, à la sanguine et à la craie blanche sur papier bleu. Cette feuille appartient à un ensemble de dessins consacrés à la figure de l’officiant. Elle montre comment Barocci travaille progressivement le mouvement du corps, la position des membres et le tombé du vêtement. D’autres études conservées à Berlin et aux Offices documentent également les recherches sur cette figure.
Ces documents montrent que le peintre ne s’est pas contenté d’assembler des personnages convenus. Il a longuement travaillé leur disposition, les rapports entre les groupes et l’équilibre des valeurs lumineuses avant de parvenir à la grande toile achevée en 1590. La préparation graphique apparaît ainsi comme une véritable étape de conception, où la construction de l’espace et la mise en scène de la lumière progressent de concert.
La commande elle-même témoigne de l’importance accordée au projet. Selon les recherches rapportées dans la littérature consacrée à Barocci, le peintre aurait reçu 550 écus pour cette œuvre. La somme est parfois rapprochée des 300 écus versés à Orazio Gentileschi pour une composition de sujet comparable destinée à Ancône. Cette comparaison, reprise dans une étude universitaire consacrée au marché de l’art, donne une indication de l’investissement consenti pour le retable de Pesaro ; elle ne doit toutefois pas être interprétée comme une mesure absolue de la valeur respective des deux peintres.
Du rite à la révélation
Dans cette Circoncision du Christ, Barocci donne à un épisode bref de l’Évangile une ampleur visuelle et spirituelle considérable. La scène rassemble autour de l’enfant les témoins de l’événement, mais elle organise aussi plusieurs niveaux de lecture : l’inscription de Jésus dans la tradition juive, le premier sang versé, l’évocation du sacrifice pascal et l’annonce de la Passion. Le petit récipient désigné par le jeune garçon concentre une part de cette ambiguïté, entre réalité corporelle, mémoire des reliques et interprétation eucharistique.
L’histoire du Sancta Sanctorum du Latran ajoute à l’œuvre une profondeur historique particulière. Le tableau est peint après le sac de Rome de 1527 et après la redécouverte que la tradition situe à Calcata, mais rien ne permet d’affirmer que Barocci ait voulu représenter la relique romaine en particulier. Le rapprochement demeure néanmoins éclairant : il rappelle combien la représentation d’un épisode évangélique pouvait rencontrer, dans la culture catholique de la fin du XVIe siècle, une mémoire vivante des objets sacrés et de leur vénération.
La force du tableau tient finalement à cette alliance entre l’attention portée aux gestes humains et l’ouverture vers une signification théologique. La lumière, les couleurs, le mouvement des figures et le rideau soulevé par les anges transforment le rite en révélation. Au cœur de cette assemblée, l’enfant est à la fois le sujet d’un geste accompli selon la Loi et celui dont le sang, versé une première fois, annonce déjà le sacrifice à venir.
Références bibliographiques et documentaires
Sources institutionnelles et catalogues d’œuvres
Musée du Louvre, notice de collection, Federico Barocci, La Circoncision, 1590, huile sur toile, inv. MI 315.
Gallerie degli Uffizi, Federico Barocci master draughtsman. The creation of images, notice « Composition Study for “The Circumcision of Christ” », ante 1590, inv. 818 E.
Catalogo generale dei Beni Culturali, notice « Circoncisione di Gesù Bambino », Federico Barocci, dessin conservé aux Offices, inv. 91459.
Courtauld Gallery, « Study for the Circumcision of Christ », Federico Barocci, vers 1585, inv. D.1952.RW.2329.
Yale University Art Gallery, The Graphic Art of Federico Barocci, publication consacrée aux dessins et à la pratique graphique de l’artiste.
Sotheby’s, « Federico Barocci », notice du modello de la Circoncision, catalogue de vente, 2012.
Études historiques et artistiques
Judith W. Mann, « Innovation and Inspiration: An Introduction to Federico Barocci », dans Federico Barocci. Renaissance Master of Color and Line, New Haven, Yale University Press, 2012.
Jessica Goethals et Anna Wainwright, « Ventriloquizing Birgitta: The Saint’s Prophetic Voice During the Italian Wars », dans Unn Falkeid et Anna Wainwright (dir.), The Legacy of Birgitta of Sweden: Women, Politics, and Reform in Renaissance Italy, Leiden, Brill, 2023, DOI : 10.1163/9789004540040_008.
Urban Fink, « Sac de Rome », Dictionnaire historique de la Suisse, 2010, mise à jour du 9 février 2011.
Sources anciennes relatives à la relique
Francisco de Toledo, Commentarii in Sacrosanctum Jesu Christi D.N. Evangelium Secundum Lucam, Venise, 1600, p. 250-253.
Ottavio Panciroli, I tesori nascosti nell’alma città di Roma, Rome, 1600 ; édition revue, 1625, p. 147-148.
Giovanni Severano, Memorie sacre delle sette chiese di Roma, Rome, 1630, p. 575.
Textes bibliques
Évangile selon Luc, 2, 21-24.
Lévitique, 12, 2-8.
Exode, 12, 3-13.
Évangile selon Jean, 1, 29.
Première épître aux Corinthiens, 5, 7.








